Dominic cámaras, Realismo magico

Entrevista de Evan Pricco // Retrato del artista: Tenía dos ventanas abiertas desde las búsquedas de Google justo antes de sentarme a hablar con el pintor Dominic Chambers , uno de ellos que investigaba conceptos de Fabulismo y cómo se relaciona con la mitología y el realismo mágico; el segundo, un artículo pesado y abrumador de The Boston Globe que intentaba explicar cómo la conciencia colectiva estadounidense ha sido probada en 2020, nuestras vidas reflejadas en la sombra de una inmensa duda y muerte, dejando a muchos con una mayor sensación de inquietud que en cualquier otro momento. en nuestra historia. Poco sabía que, momentos después, Chambers articularía cómo el realismo mágico y el escapismo se han sintetizado para darle forma como una de las voces más frescas del arte contemporáneo.  Desde sus primeros días en St Louis, hasta la escuela de posgrado en Yale, la escritura de cuentos y un impulso estratégico hacia el trabajo, Chambers ha desarrollado un lenguaje personal único nacido de los cómics y el poder de un buen libro. En medio de la preparación para el Centro Cultural Afroamericano August Wilson en septiembre, se tomó un tiempo para hablar sobre el proceso, la literatura, la filosofía, la hiperactividad, la crítica y la autoconciencia. Su trabajo, de muchas maneras, encarna un deseo de alivio y respiro durante los momentos de lucha y estrés, el aprecio por la poderosa libertad de simplemente relajarse en un campo de hierba y la alegría de desaparecer en la dulce imaginación.  

Evan Pricco : Hablemos de St Louis, de dónde eres. Pienso en Kansas City como el centro del arte de Missouri, pero ¿qué tipo de escena hay ahora? Dominic Chambers : Nací y crecí allí. Yo diría que, incluso entonces, todavía había una escena artística vibrante. No estaba en el mismo contexto que ahora. Por ejemplo, hay muchos artistas contemporáneos que trabajan en St. Louis, siendo Aaron Fowler uno de los más destacados. Entonces, creo que ahora hay un poco más de paisaje artístico contemporáneo. Pero, tradicionalmente, en su mayoría han sido solo artistas con sede en St. Louis los que intentan mantener las cosas vibrantes. El programa MFA de la Universidad de Washington ha creado esta comunidad artística más pequeña. ¿Notas un cambio cuando regresas ahora? Creo que sí. Definitivamente soy más conocedor del mundo del arte de lo que era cuando era estudiante. Diré que gran parte del cambio ocurrió en mí, porque viajé mucho después de dejar St. Louis. Viví en Italia, luego en Nueva York, y todo esto sucedió antes de ir a la escuela de posgrado en Yale. Entonces, el gran cambio es que todas estas cosas en el mundo del arte ya no eran las cosas de las que simplemente “escuché”. De hecho, estaba participando, yendo a las galerías de Chelsea o dando un discurso crítico con otros artistas. Y eso no estaba sucediendo en St. Louis porque no teníamos esa comunidad. Solo hablamos de eso allí, nunca lo ves.  Entonces, en la escuela de posgrado, estás rodeado de grandes mentes todo el tiempo. Te desafían de una manera muy particular. Es muy parecido a pararse sobre sus propios pies o se ahoga. Creo que ir a Yale y estar tan cerca de Nueva York realmente cambió el juego para mí porque de hecho pude ver con qué frecuencia sucedían los shows, se estaba trabajando. Estaba más cerca de eso. Creo que hay una ventaja en no comenzar en ese entorno, como si tuvieras más hambre para sumergirte. Oh, mucho, sin duda. Estoy de acuerdo con ese 110%. Lo que hizo que mi viaje a Yale fuera muy extraño, porque era muy consciente del hecho de estar arraigado en el Medio Oeste. Fui a la escuela allí, mi licenciatura fue en el Medio Oeste de Milwaukee. Y yo era un niño de la universidad comunitaria. Y así, aparentemente fui superado significativamente por aquellos niños que fueron a Cooper Union o Pratt. Tenían un enfoque mucho más sofisticado del mundo del arte que yo no tenía. Pero tenía impulso y estaba increíblemente motivado por tener conciencia de mí mismo. No eres tan especial, tienes que esforzarte aún más para llegar a donde necesitas estar.  ¿Cuándo tuviste ese momento en el que pensaste, “¿Sabes qué? En realidad, mi trabajo se sostiene. No necesitaba ir a la escuela XYZ”? Porque todos tienen esa leve inseguridad, solo un poco, no importa qué. Cuando ¿Lo superaste? ¿Fue el primer día? Ojalá fuera el primer día, hombre. Debido a que el mundo del arte es como una pirámide, ya estás significativamente superado, porque muy pocas personas pueden mantenerse en él. Y estás estableciendo contactos y conectando, y no estando en Nueva York o cerca de Cooper Union, eso fue un gran golpe. Esos niños pueden llegar lejos porque están muy cerca. Eso es real.  Pero también sabía que tenía hambre. Sabía que estaba dispuesta a trabajar a un nivel diferente. Estaba dispuesto a trabajar y tener un enfoque diferente. ¡Porque estaba tratando de resolverlo todo! Pienso mucho en Kerry James Marshall y en cómo considera las cosas en términos muy estratégicos. Y así es como lo abordo, aportando un grado de autoconciencia y claridad mental a mi práctica. 

¿Cuándo aprendiste que, incluso con el éxito temprano a la edad de 27 años y la validación que estás recibiendo en estos días, debes mantener ese impulso y aspiración? Una de las cosas más importantes que aprendí en la licenciatura fue la paciencia. Te das cuenta de que estas cosas son muy cíclicas. Tu carrera será increíblemente próspera, y luego puede que no lo sea. Ya sabes, picos y valles. Y tienes que ser paciente con esas cosas. Pero cuando estás inmerso en esas cosas en Nueva York, te roban esa paciencia, ¿sabes? Para realmente darle tiempo a esa práctica para madurar.  Lo interesante de esta entrevista es que ya ha mencionado palabras como relajación y paciencia, y hay elementos de ocio y paciencia en su trabajo. ¿Qué es la relajación para ti? ¿Por qué la relajación es importante en tu trabajo? Creo que es porque eso es algo que no puedo hacer. Eso es mucho lo que es. Por ejemplo, he internalizado la cultura capitalista en la que vivimos como estadounidenses. No me refiero económicamente, quiero decir, realmente no creo en no ser productivo. No soy un gran admirador de las personas que no lo son. Kerry James Marshall también dice esto: a nadie le gusta un no productor. He interiorizado que donde siento esta necesidad de seguir trabajando.  Me di cuenta como, “Oh, mierda. Esto es muy desordenado de alguna manera”. Como negros, sientes la necesidad de alimentar algo en este país o ser dueño de tu lugar u ofrecer tu cuerpo a la validación, ya sea psicológica o emocionalmente. Y me doy cuenta de que soy un gran lector, pero también dije: “Maldita sea, es increíblemente raro que encuentres imágenes o ideas en personas que no son hiperactivas”. Soy un ejemplo vivo de eso. Soy una persona muy activa. Eso fue algo que realmente me atrapó: soy totalmente cómplice de esta hiperactividad, 24/7. Yo estaba en ese sistema. Y creo que es increíblemente insatisfactorio en cierto sentido. Donde no sabes cómo ponerte al día contigo mismo. Y alguien que parece estable, o las personas que tienen sus cosas juntas, a menudo han luchado por tomarse un tiempo para sí mismos, ¿sabes?  

Creo que estaba escuchando una charla que dio Derrick Adams justo antes de la pandemia sobre el ocio como protesta. Puede que lo esté citando mal, pero estuvo cerca de esto. Es una forma de protesta. La inactividad puede ser una de las mejores espadas de doble filo que puede ofrecer beneficios. Por ejemplo, si estuvo inactivo, puede ponerse al día con usted mismo, puede obtener perspectiva, puede reflexionar. Pero también, si realmente quisieras adoptar una postura política contra una corporación o una empresa, no los apoyes. Estarías inactivo. Creo que hay algo poderoso en eso. Y especialmente para las personas que han sido colonizadas y sometidas a la opresión. Si sabe que la única relación de este país con usted es, de una manera, como trabajador, entonces recuperar su agencia y su urgencia, simplemente permitiéndose descansar, es la forma suprema de protesta. Y una parte de lo que me llevó a la idea fue el escritor Paul Beatty.  Sí, White Boy Shuffle fue un gran libro.Creo que ganó el premio Booker por ello. Quiero decir que es muy divertido, muy ingenioso y un libro desafiante. Pero sabes que el protagonista sugiere que todos los negros deberían suicidarse, que es algo de lo que habla mucho el artista Rashid Johnson. El escrito de Beatty fue que la ausencia de nuestros cuerpos sería la forma máxima de protesta porque nada se sostendrá sin nosotros. Y lo comparo con una especie de ocio. 

Entonces, considerando eso, ¿te sientes relajado al pintar estas escenas? No lo soy, no. No lo soy, no lo soy [risas]. Me siento relajado cuando los miro, porque trabajo en muchos cuadros a la vez. Me permite relajarme y reducir la velocidad porque, de nuevo, me mantengo al día. Muchos artistas están solos, pasamos días enteros solos. Entonces estás perfectamente preparado para una pandemia.Exactamente. ¡No veo a nadie! No, estoy tan nervioso. Soy una persona muy ansiosa y nerviosa. Pero pienso lo que pasa, y Guston dijo esto y tiene toda la razón cuando habla de eso, pero cuando estás en el estudio, todo está contigo. Entonces, mientras sigues trabajando, las cosas se van y luego te pierdes.  Pienso mucho en ese proceso cuando estoy haciendo un buen cuadro y me gusta mucho: me pierdo, en esencia. Ahí es también cuando me calmo. Porque soy la voz más fuerte en mi estudio, y eso es algo que todavía estoy negociando hasta el día de hoy.  

“Realmente no creo en no ser productivo. No soy un gran admirador de las personas que no lo son. Kerry James Marshall también dice esto: a nadie le gusta un no productor. He interiorizado que donde siento esta necesidad para seguir trabajando “.Hace un par de números estuve hablando con Eddie Martinez para un reportaje y hablamos sobre esta idea de trabajar constantemente, que sus artistas favoritos son las personas que siempre están haciendo arte. Como cuadernos de bocetos, pinturas, esculturas, todo, ¿y parece que eres alguien que va en esa dirección? No eres precioso con todo, pero estás haciendo constantemente. Oh, soy totalmente esa persona. 110%. Tengo curiosidad por saber cuál es el razonamiento de Eddie para eso. Por ejemplo, cuando pienso en personas que hacen arte, pienso en personas que usan mucho su mente. Me atraen mucho las mentes de las personas. Me interesa cómo usan las palabras y amo a las personas que usan palabras coloridas. Y entonces, en mi opinión, mi tipo favorito de personas son aquellas que mantienen sus mentes constantemente ocupadas porque eso es lo que el arte es para mí. La actividad intelectual de alguien. Construye con la visión de esta persona y lo que decidió resolver. Hay solucionadores de problemas creativos en estas pinturas, así que estoy interesado en eso. Pero también soy un hiperproductor.  Eddie estaba hablando de cómo las ideas, los gestos y los personajes pueden resurgir en tu arte, incluso 10 años después de que se fueron, porque cuando subconscientemente estás haciendo todo el tiempo, no debería ser gran cosa tener estos fantasmas instintivos. aparecer de nuevo. E incluso en diferentes contextos. Tu idea de un emblema podría cambiar. No, estoy totalmente de acuerdo con eso. Me encanta hacer arte todos los días, estar aquí tanto como pueda. Pero creo, y no estoy seguro de que esto sea cierto, podría estar mintiéndome a mí mismo, pero sí creo que mi razonamiento detrás de producir trabajo constantemente no es por casualidad. Siento que estoy buscando algo, ¿verdad? Ves obras de Kerry James Marshall, Lisa Yuskavage o Mark Bradford, y tienen una especie de presencia. Y creo que estoy buscando un cuadro que también me ofrezca ese tipo de presencia como creador, ¿sabes? Entonces, cuando estoy haciendo estos trabajos, estoy buscando uno, solo ese que podría ser el indicado. 

Bien, usemos, por ejemplo, su programa en el August Wilson Center en Pittsburgh en septiembre, ¿correcto? ¿Cómo es la preparación del espectáculo para ti? ¿Qué tan profundo estás en tu cabeza? El espectáculo se llama Like the Shape of Clouds on Water . El título proviene de un cuento que estoy escribiendo. Tiene esta idea de intangibilidad, como las nubes. No puedes dañar las cosas físicas, pero tienen presencia física. Agua también; un cuerpo de agua es algo que aparentemente se puede contener. La historia trata sobre esas dos cosas en relación entre sí..Pero luego pienso en las conversaciones que tienen las obras entre sí. No estoy necesariamente tan interesado en ir a una exposición en particular o en una exposición grupal y sentir que se trata de objetos totalmente individuales y distintos que son solo cosas con las que debes participar. Pienso en cómo estos trabajos se relacionan entre sí como una conversación más amplia y si eso funciona o no. Hago una buena cantidad de trabajo, pero también estoy seleccionando cuáles mostraré. ¿En qué se ha convertido la historia? La historia está en medio de ser escrita en este momento. Puede que tenga tres o cuatro páginas. Pero se trata de la idea de que este personaje aprende que siempre ha sido invisible, en realidad, una voz incorpórea que acaba siendo la conciencia de otra persona. Tienes una realidad dual. Uno que pensó que estaba viviendo, casi para descubrir que era un fragmento de un todo más grande, este todo más grande era otro cuerpo que en realidad habita. Uno de ellos son las nubes y uno de ellos es el agua, todos interactuando entre sí. Entonces, se trata de cómo los entornos influyen en quiénes somos, el tipo de persona que somos. La naturaleza versus la crianza.

¿Se te ocurrió esta idea en 2020? Este es un año en el que la introspección y el escapismo pueden ser los mejores que hayamos experimentado en nuestras vidas. No en medio de la pandemia. Creo que esto proviene del amor por el realismo mágico. Me gusta hacer historias y hace tiempo que quiero ser escritora. Amo la poesía, amo escribir, amo los libros. Tenía esto en mente al considerar cómo, a medida que creciera, escribiría una historia basada en mi vida, pero como un libro semiautobiográfico que utiliza el realismo mágico.  El realismo mágico es un género que encapsula perfectamente nuestra necesidad de escapar. Siento que es un género infrautilizado, aunque hay mucha ficción fantástica en ese ámbito. Murakami, Lethem y tú hablaste de Octavia Butler. La pandemia realmente ha puesto a prueba esta idea de escape, porque ahora hay muchas personas que, de hecho, por primera vez, en mucho tiempo, comenzaron a pensar en sus vidas y en cómo se ven a sí mismas en el mundo, en el mundo físico. Luego, colectivamente, tenemos esta conversación muy existencial sobre reabrir y aceptar la muerte casi con un encogimiento de hombros. Una nota al pie. Es una conversación muy interesante que creo que mucha gente nunca ha tenido consigo misma. Iba a preguntar si la pandemia creó esa reflexión para ti, pero con la poca elocuencia que puedo decir, estabas en esta mierda antes. Correcto. Viene del hecho de que crecí en el barrio. Y siempre estaba buscando escapar. Y el escapismo que encontré estaba en los libros. Tengo una imaginación hiperactiva. Creo que, por naturaleza, era una persona mucho más distante e imaginativa. Pero sí significa que no estaba en sintonía con el mundo que me rodeaba. Yo estaba como, “Maldita sea, este mundo está jodido y necesito escapar”.  Y me encanta lo que dijiste sobre la pandemia porque mi madre siempre me decía algo que encontraba realmente interesante. Ella era de Arkansas y decía: “Los cadáveres no proyectan sombras”. Ella siempre me decía eso. Y siempre pensé que era algo tan poético, pero también muy siniestro, que decir. Porque su madre le dijo eso. Que cuando una persona muere, su sombra desaparece. Era esta idea de que su personalidad, su alma o esta cosa que los ataba al mundo que nos rodeaba ya no estaba con ellos. 

Fuente: https://www.juxtapoz.com/