Hace pocos días atrás, la poeta y cantante punk Patti Smith, al recordar su primer disco Horses, grabado en Electric Lady Studios, propiedad de Jimi Hendrix, dijo que allí lo había conocido un mes antes de morir y se refirió a él como alguien tímido, que las fiestas lo ponían nervioso. De hecho, el guitarrista lo confirmó al decir que en Inglaterra, el escenario le asustaba y no se diga tocar frente al público. Sea como sea, a la hora de tocar Hendrix construía una música que le permitía dominar su carácter y de paso volar hacia un mundo sonoro insondable e impensable que le validó para formar parte de la galería de los grandes del rock. Su figura, sus capacidades y su fusión de sicodelia, blues y funk son recordados hoy al conmemorarse los 45 años de su fallecimiento, ocurrido repentinamente en Londres, el 18 de septiembre de 1970, a los 27 años de edad.

Visiones

Jimi Hendrix reescribió las nuevas reglas en la manera de tocar la guitarra eléctrica. Fue una especie de visionario. De ejemplo, expongo dos de sus ideales. Uno, cuando justamente en ese encuentro con Smith, el guitarrista le comentó que deseaba que Electric Lady Studios fuera el lugar donde los artistas de todo tipo pudieran grabar “el abstracto lenguaje universal de la música”. Y segundo, la guitarra y su música fueron una extensión de su espíritu musical. De hecho creó sonidos que no han sido reproducidos hasta hoy, pese a toda la tecnología disponible. Ambicionó tener su orquesta y participar en la creación de una música que cambiara el mundo.

La música era realmente su pasión, su entrega, su dedicación y digamos su otra adicción. Reconocía: “La música es la que me hace subir al escenario”. Allí era donde navegaba con su guitarra de la que tenía un dominio absoluto (pese a ser zurdo), auxiliado de un pedal wah-wah, de los feedbacks de amplificadores o incluso de sus dientes, ofreciendo solos con los que alcanzaba cotas sobrenaturales. Todo eso con un objetivo. “Quiero ser parte de una nueva gran expansión musical(…). Eso le abrirá nuevos sentidos a la mente del público”.

No era antojo

Lo que expresaba no era el antojo de un patojo rebelde. No. Tenía una base sobre la que había construido su sonido, su estilo y su creación compositiva. Desde esas formas de tocar muy en particular de Muddy Waters, pasando luego por B.B. King hasta Elvis Presley, Chuck Berry y Eddie Cochran (este último, cantante y guitarrista que igual influyó en George Harrison), hasta la obra de clásicos como lo expresa en el libro autobiográfico Zero: His own story: “Me gusta Strauss, Wagner, esos son buenos gatos y en cierta forma creo que son la base de mi música. Algo que flota sobre ellos sería el blues. Yo aún tengo que conseguir la plenitud del blues. Hay música celestial de Occidente y música que es opio dulce. Esas músicas podrán ser mezcladas para construir algo único. Tú tienes que darle al público algo en qué soñar”. Esa música debía tener algo de los Beatles, de Rashaan Roland Kirk y de Miles Davis. De hecho había hablado con este último y con Paul McCartney para grabar juntos.

En Hendrix comulgó el hombre tímido y a la vez el divertido, nada racista, que pensaba poco en dinero y con un concepto distinto de la muerte. “Te digo algo, cuando muera será como si me fuera a una jam sessions”.